Por Indira García.

Es difícil hacer que una secuela tan esperada funcione bien y más si la original vio la luz desde hace 36 años. Sin embargo, Tim Burton lo ha logrado con Beetlejuice Beetlejuice y no solo eso, esta secuela marca el regreso del director a sus raíces con una historia tan divertida como absurda.

En la historia han transcurrido más de tres décadas, al igual que en la vida real. La icónica Lydia Deetz (interpretada por Winona Ryder), ahora es una estrella de la industria paranormal con su propio programa de televisión sobre casas embrujadas, al lado de su nueva pareja y manager Rory (Justin Theroux).  Durante esos años, Lydia ha seguido comunicándose con los muertos y ha formado una familia. Sin embargo, el intenso encuentro que tuvo con Beetlejuice (Michael Keaton) en su adolescencia la marcó profundamente. Ahora se aterra al verlo reaparecer, aunque ya no viva en la casa original ni en el pueblo. Después de una de esas apariciones, Lydia recibe la noticia de que Charles, su padre, ha muerto y que su funeral será celebrado en la casa embrujada original, lugar que él amaba y donde su madrastra Delia (el regreso de Catherine O’Hara) planea expresar su dolor a través del arte.

Muchos se quedarán con las ganas de ver nuevamente a Alec Baldwin y Geena Davis, pero solo son mencionados y Lydia aclara que “encontraron un vacío legal y pudieron trascender más allá de la casa”.

La película es entretenida desde el primer momento, pero la historia tiene muchos ejes y varios de ellos solo los toca por encima en sus menos de dos horas de duración. Un breve vistazo al mundo de los muertos que por momentos parece que se irá por el lado fácil del romance adolescente, un poco cursi y fuera de tono, pero logra jugar con el cliché y todo resulta a su favor con un desenlace rápido, pero satisfactorio.

Beetlejuice (1988) ya es todo un clásico y estableció un firme universo único entre el mundo de los vivos y el más allá, con sus fastidiosos burócratas y reglas extrañas. Los escenarios ya familiares regresan para darnos un vistazo más amplio a dicho universo. Obviamente habrá cosas que no tienen mucha lógica, pero en el mundo disparatado de Beetlejuice las decisiones incoherentes (y la improvisación de Michael Keaton) encajan bien para que la trama fluya.  Y de eso se trata: situaciones absurdas, tal cual como en la original. No podía faltar, por supuesto, un par de secuencias musicales con los incautos y confundidos personajes cantando y bailando sobre la pista.

La cinta juega un poco con la nostalgia, hace guiños y autoreferencias pero no trata de situarse completamente sobre terreno seguro, intenta explorar el éxito pasado respetando el stop motion y los efectos prácticos pero satirizando situaciones actuales.

El gran punto fuerte de la película es su cast principal, comenzando por Michael Keaton quien está tan vivaz como hace 36 años y se nota tan feliz como nosotros de volver a ver al personaje. Destaca también Willem Dafoe pues son pocas las ocasiones donde lo han dejado ser tan ridículo y divertido como aquí. Catherine O’Hara entrega una Delia más chistosa, más cínica, que busca procesar su duelo a través del arte, satirizando muchas actitudes de influencers y tiktokers actuales. Winona Ryder y Jenna Ortega proyectan una linda química que mantiene funcionando a la historia. Y aunque con poco tiempo en pantalla, Monica Bellucci luce totalmente bella mientras mata y sutilmente nos introduce un poco de body horror. Tim Burton ha afirmado pensar en la secuela desde que se estrenó la primera pero aún no era el momento y tenía razón, nadie podría reemplazar este cast y lograr algo así de genuinamente divertido.

La cinta en general ha sido bien recibida por el público y, aunque pueda ser tachada de poco memorable, hay algo en lo que la prensa está de acuerdo: Tim Burton vuelve a ser fiel a sí mismo.

Puede que Beetlejuice Beetlejuice no se convierta en un clásico, pero es una gran película, muy recomendable.

Trailer

Longlegs.

El desarrollo de la historia nos recuerda a Exorcist III: Legion (1990), The Silence of the Lambs (1991), Se7en (1995), Deliver Us from Evil (2014), la saga de Alex Cross; entre otras. Y el mérito del Director, es darle su propio estilo, aun cuando las referencias son muy claras.

Quienes disfrutan de Thrillers sobre Asesinos Seriales con influencias esotéricas, disfrutarán muchísimo este material, ya que tiene lore satánico; representado a través del poema Satan Says de Sharon Olds, y material que explora la religión y ritos, como el libro The Golden Bough de James George Frazer.

Por supuesto que hay referencias al Asesino del Zodiaco, y al Libro de las Revelaciones. También hay "jump scares" que funcionan para añadir un poquito de shock a una ya de por sí atmósfera inquietante (solo uno de esos momentos me pareció ridículo, onda la cabeza de la mamá de Jason abriendo los ojos en el final descartado de Viernes 13 parte 2 (1981).

Mi sugerencia encarecida es acudir al cine sin saber nada o lo mínimo, ya que la experiencia es gratificante, ya que su objetivo principal es crear miedo, suspenso, y momentos de terror. Osgood Perkins fue al grano en cuanto a sus intenciones, y se le agradecerá siempre.

Dice T.Rex: "Get it on, bang a gong, get it on. Take me. For a meanwhile I'm still thinking". Longlegs se tomó en serio la canción.

Películas recomendadas para quienes disfrutaron Longlegs:

Durante la transición del Cine de Terror de finales de los 80's a inicios de los 90's, surgió una especie de "época oscura", que conllevó confusión, pero produjo Thrillers Policiacos, cuya historia principal contenía temas demoniacos o sobrenaturales, relacionados a un asesino serial.

Considero que Osgood Perkins capturó perfectamente la atmósfera y sentimiento "especial" indescriptible que rodeaba dichas películas.

Aquí las recomendaciones:

Rampage (1987). Obligatoria para fans de asesinos seriales. Dirige William Friedkin, música de Enio Morricone, historia adelantada a su época que tiene ecos de Manhunter (1986) pero inspiró a The Silence of the Lambs, Seven (1995), Zodiac (2007), etc. --Contiene iconografía religiosa, blasfemia, sub-trama satánica, y un asesino demoniaco muy perturbado.

Angel Heart (1987). Casi una experiencia religiosa. Voodoo, ambiente de Film Noir, Robert DeNiro interpretando a Lucifer, investigación envolvente. Un clásico olvidado y una de las mejores películas de terror de la historia.

The Horror Show (House III) (1989). De los que iniciaron la tendencia de un asesino serial que muere en la silla eléctrica, regresando por venganza. Lance Henriksen está espectacular como el policía conflictuado (sus expresiones faciales durante la ejecución del asesino son legendarias). -Sigue una rutina Slasher y tiene momentos muy bobos, pero es entretenida y su villano es muy carismático-bizarro.

Exorcista III (1990). La mejor de todas. Basada en la novela Legion, de William Petter Blatty, que continúa la mitología de la original. La investigación policiaca se entrecruza con eventos demoniacos (asesinatos, un exorcismo), y conversaciones filosóficas entrañables entre un asesino serial poseído y el Detective Kinderman. *Contiene el mejor jump-scare de la historia del Cine de Terror.

 The First Power (1990). Lou Diamond Philips persigue al "Asesino del Pentagrama", no baila "la bamba" pero se lleva varias golpizas terribles. Thriller entretenido de bajo presupuesto con f/x soberbios.

Satan's Princess (1990). Robert Forster como Detective Privado alcohólico y lisiado, busca a una joven perdida. En el camino se topa a un grupo de satanistas. Esta es más como Thriller Erótico, pero tiene elementos de aquella época. Lydie Denier en plan diosa.

*El video-home mexicano tiene varios títulos de ese tipo, pero creo que carecen de atmósfera y valores de producción decentes; por lo que pertenecen a una lista de curiosidades. Recomendados, por supuesto.

Tipos de Gentileza (Kind of Kindnes).

Por Indira García.

A menos de un año del estreno de Pobres criaturas, Yorgos Lanthimos está de regreso en las pantallas de cine con Tipos de gentileza (Kind of Kindnes). En esta ocasión se acompañó nuevamente por Efthimis Filippou para la realización del guión, con quien anteriormente co-escribió Canino (2009), Alpes (2011), Langosta (2015) y El sacrificio del ciervo sagrado (2017), o sea, sus obras más excéntricas.

Tipos de gentileza presenta tres relatos independientes entre sí pero con el mismo cast y una inquietud en común: los límites (o la falta de ellos) en las relaciones interpersonales.  Este hilo conductor explora el ferviente deseo de aceptación y pertenencia que tenemos los seres humanos, a través de situaciones absurdas que prueban lo “fácil” que se puede llegar a romper (e incluso cuestionar la existencia) de los límites éticos y morales.

La primera historia lleva por título “La muerte de R.M.F” y nos presenta a un hombre (interpretado por Jesse Plemons) que vive su día a día totalmente a merced de lo que decida su jefe (Willem Dafoe), hasta que le niega una sola acción y es abandonado por él a la par que su mundo se derrumba totalmente. Aquí Hong Chau da vida a la esposa de Jesse Plemons, mientras que Emma Stone es una chica por la que el mismo personaje de Plemons se siente atraído.

En la segunda historia “R.M.F. está volando” Plemons interpreta a un policía cuya esposa (Stone) se ha perdido en un viaje de investigación en el mar y que, cuando la encuentran, él está seguro de que es una especie de doble que quiere usurpar el lugar de su pareja, cayendo en un espiral de dudas casi psicótico. Por último, en la tercera historia “R.M.F. come un sandwich”, conocemos una secta liderada por los personajes de Willem Dafoe y Hong Chau donde dos adeptos (Plemons y Stone) están buscando a una persona para su culto que cumpla características muy específicas, entre ellas revivir a los muertos. Aquí hay una breve aparición de Hunter Schafer.

Además de los protagonistas, Margaret Qualley, Mamoudou Athie y Joe Alwyn también repiten su participación a lo largo de la cinta con personajes raros aunque memorables. Curiosamente el mismo Yorgos Lanthimos también aparece unos cuantos segundos en cada parte, siendo R.M.F. su nombre que, a pesar de que le da nombre a cada segmento, es irrelevante para la historia en sí.

Como es de esperar, las actuaciones en general están muy bien cuidadas y dirigidas, dando al cast la oportunidad de demostrar su talento y brillar con la dinámica de repetir actores para diferentes personajes aunque, sin duda, Jesse Plemons es quien más destaca. Cabe mencionar que, gracias a esta participación,  él se llevó el premio a mejor actor en la 77va edición del festival de Cannes. La dos veces ganadora del Oscar, Emma Stone, no se queda atrás pues también se luce en estas situaciones peculiares que van del drama más oscuro a literalmente verla bailar de alegría, perfilándose para probables nominaciones venideras.

Tipos de gentileza sirve también como una especie de recopilación del trabajo que  la dupla Lanthimos y Filippou han realizado hasta el momento. Los espacios grandes, blancos e inmaculados, muy al estilo de El sacrificio del ciervo sagrado, resaltan en la primera parte. La cotidianidad turbia y los tonos cálidos de Alpes y Langosta se encuentran en el segundo relato, mientras que el ambiente tenso entre jardines y mandatos autoritarios como en Canino permean en la tercera parte. Todo muy placentero visualmente, al particular estilo de Yorgos como autor.

Desafortunadamente, en cuanto a narración, la película deja más dudas que respuestas e incluso los mundos complejos que construye son (por momentos) más interesantes que la historia que te cuenta, lo cual deja la sensación de solo haber obtenido una pequeña muestra. Sin embargo resulta obvio que su intención es únicamente mostrar el viaje del personaje principal y que no le interesa desarrollar, es decir, solamente vemos lo que el director (y dictador de su universo) nos permite. 

El filme en conjunto, lo absurdo y lo excéntrico de su narración y ejecución recuerdan a Beau is afraid (2023) de Ari Aster o Holy Motors (2012) del francés Leos Carax, otras puestas en escena que tiran a lo teatral y exagerado y que, por su misma naturaleza, no suelen ser del agrado de todos. Cínica, pero no queriendo provocar por provocar (según asegura el Yorgos). 

Al igual que las ya mencionadas creaciones Aster y Carax, los protagonistas y las raras expectativas a las que están sujetos son ideales para el absurdo recorrido que los despoja de un realismo que solo se interpondría en la narrativa al momento de tocar temas sensibles (o polémicos, como la violencia, el abuso y el canibalismo), pues colocarlos en un plano más real lo haría aterrador. 

La cinta ha generado indignación y polémica entre algunos miembros de la prensa y el público, que lejos de intentar entender lo que quiere transmitir optan atacar y apelar a los valores tradicionales, que irónicamente, critica Lathimos.  Se le ha reprochado solo querer provocar, ser crudo, ridículo y pervertido, adjetivos con los que se le describió en sus producciones pasadas que confirman que el director regresó a sus raíces. 

El título Tipos de gentileza puede darle una idea equivocada al espectador, especialmente para aquellos que hacen su primer acercamiento a Yorgos Lanthimos, ya que la gentileza de la que habla es completamente subjetiva. Es la “gentileza” de un jefe controlador, la “gentileza” de un impostor y la “gentileza” de una secta que dice buscar la pureza: la gentileza del amo que está condicionada por las órdenes y expectativas que hay para con los protagonistas.

El resultado final con una fotografía impecable y brillantes actuaciones dista mucho de aquellos paisajes con CGI de Pobres Criaturas e historias más digeribles como La favorita. Humor ácido, negro y sarcástico a través de historias pausadas que se desarrollan sin prisa.  Definitivamente no es para todos y probablemente disguste a muchos.

Ampliamente recomendada solo para quien guste de historias raras, adeptos del director o quienes deseen ver al cast en situaciones extrañas. 

Trailer

 El Cuervo (The Crow 2024).

Acudimos a la función de prensa de este remake, con la ligera esperanza de que no fuese el desastre que aparentaba ser desde que vimos el trailer.

Eric Draven y su prometida, Shelly, son asesinados por un grupo de mafiosos que realizan actividades paranormales raras.

Eric es revivido por un cuervo para vengar ambas muertas; lo cual le lleva a recorrer un camino sobrenatural de violencia en búsqueda de justicia.

En dicho recorrido, descubre algunas cosas del pasado de su amada, que le permiten comprender que no le será sencillo cumplir su objetivo. Además, aprenderá algunas cuestiones sobre el mundo de los muertos y el amor puro. Qué bello suena…pero no.


COMENTARIOS

La historia toca temas como el amor, pérdida, venganza, y sacrificio. No obstante, el aspecto sobrenatural que engloba esos temas no se explica bien, y peor aún, no se logra una conexión personal entre los protagonistas, ya que su relación se siente débil y apresurada. Además, no existe química entre los actores.

Me pareció interesante la sub-trama de posesión de almas efectuada por el villano para cometer ilícitos, aunque no se explora en detalle.

Es muy fácil perder interés en lo que se nos intenta contar. Y es que, salvo Eric, ningún otro personaje tiene un desarrollo digno. Todos se sienten de relleno y sabemos que su única función narrativa es ser asesinados por nuestro héroe.

Por ejemplo, no se explica muy bien la existencia de Wickham, quien es una especie de guía espiritual en el mundo de los muertos, o esa especie de purgatorio.

Este personaje solo le dice a Eric que siga lo que indique el cuervo para obtener su venganza.

No aporta más a la historia, y ni siquiera ofrece bocadillos en un lugar tan espantoso.

Lo del Detective es risible… Quisieron que su aparición fuese un twist en comparación al “amigo” de Eric en la original, pero fracasan en todo intento de factor sorpresa.

Sobre los villanos, no hay absolutamente nada memorable que mencionar, salvo que cuando el líder de la banda susurra cosas raras para “poseer” un cuerpo, no genera temor e incluso, luce chusco.

La presencia del cuervo, como enlace entre el mundo de los vivos y el de los muertos, es casi testimonial, y no se le da la relevancia que exige para conectar adecuadamente la historia entre los dos planos de existencia.

Se nota claramente que la masacre en la ópera intenta ser el “highlight” de la película, pero tiene pocas cosas destacables, y creo que será más recordada por el exceso de gore que luce muy falso, y porque se siente más como una misión de un videojuego.

Para ese punto, hubiese preferido jugar el espantoso juego de The Crow: City of Angels (1997) para PlayStation que soportar el tercer acto.

 
Creo que el Director, Rupert Sanders, a quien conocemos por Ghost in the Shell (2017) y la Blancanievecs de K-Stew (2012); tomó como referencia algunas cosas del diseño de producción y narrativa de The Batman (2022) para algunas escenas (ya las podrán identificar), aunque no encajan en la atmósfera dark estilizada que instauró en la película.

La atmósfera para nada es envolvente, y por momentos todo luce muy CGI de bajo presupuesto, sobre todo cuando se muestra la Ciudad; que se supone debe lucir intimidante, sucia, tomada por el crimen, pero no se le da mucha relevancia.

El soundtrack tampoco ayuda mucho, y es que salvo la aportación de Joy Division con “Disorder”, ninguna pista logra aportar algo a la historia.
La música original del ganador del Óscar, Volker Bertelmann, considero que pasa desapercibida.

Bill Skarsgård es lo único positivo porque su actuación es decente, aunque en algunas escenas se nota harto, como si expresara: “Tengo que cumplir mi contrato o me demandan”.

Creo que no es su culpa porque el personaje es unidimensional, carece de diálogos memorables, e intenta generar interés a través de su look.

Se ha criticado mucho su caracterización como Eric, y el exceso de tatuajes, y aunque creo que luce bien; lo olvidaremos de inmediato. ---Me hizo recordar al poseso de Deliver us from Evil (2015), aunque sin el hoodie.

FKA Twigs no tiene muchas oportunidades de mostrarse, aunque sobresale el breve momento cuando canta, y su aparición en algunos momentos tipo oníricos.

Creo que, si esta versión 2024 hubiese sido una secuela en vez de un remake, hubiese funcionado mejor.

En conclusión, The Crow (2024) es una película sin alma, innecesaria, que intenta generar impacto a través de violencia y gore, aunque sin sustento narrativo.

Debes evitarla a toda costa en el cine. Sinceramente, no entiendo cómo este proyecto obtuvo financiamiento y estoy convencido que será un fracaso estrepitoso en la taquilla desde este fin de semana.

Como audiencia, creo que debemos ser exigentes. Ahora, quienes son muy fans del clásico de 1994, tal vez querrán checar este esfuerzo por morbo.

Trailer

Por Rodrigo C.

¡Saludos, amigos de Café con Cine!

Ayer asistimos a la función de prensa para Un Lugar en Silencio: Día Uno, una de las películas de terror más esperadas de este año, que está resultando ser estupendo para el género.

Esta precuela ofrece básicamente lo mismo que las dos anteriores en cuanto a la historia y valores de producción; solo que, los eventos se desarrollan en una ciudad grande (Nueva York).

Sí, la trama es sobre extraterrestres depredadores que “caen” del cielo a través de meteoritos, provocando caos y destrucción en nuestro planeta. Estos seres son ciegos, pero tienen un sentido del oído bastante sensible y desarrollado, el cual utilizan para cazar y destruir cualquier cosa o ser viviente que emita un ruido. Así es, algo muy parecido a lo que sucede en Tremors (1990).

Nuestra protagonista se llama Samira, interpretada estupendamente por Lupita Nyong´o; quien sufre una enfermedad terminal y tiene un antojo tremendo por una pizza. Junto con su gato de nombre Frodo (gran actor también), y un extraño llamado Eric (Joseph Quinn), a quien conocen de manera random, conformarán un equipo muy agradable, intentando sobrevivir a lo que parece el fin del mundo. Vaya desafío. Al menos tendrán buena música de piano y jazz para sobrellevar la situación.

El Director Michael Sarnoski reunió a su equipo de confianza, incluyendo al compositor musical y fotógrafo con quienes trabajó en Pig (2021).

El resultado es una experiencia ruidosa que incluye varias escenas de acción (el trabajo de cámaras y edición es dinámico), tensión, efectos especiales espectaculares (los monstruos son horrendos, en el bueno sentido), y contiene cierto grado de emotividad debido a la convivencia entre los personajes principales (incluyendo al gato).

Creo que esta precuela logra un equilibrio al tomar como referencia el ritmo pausado de la original, en cuanto a secuencias que implican conexiones humanas; y el ritmo vertiginoso y ruidoso de la secuela, pero respetando la historia que ya bien conocemos.

Es decir, sigue las reglas instauradas por su propia mitología, y aunque ofrece más de lo mismo, lo presenta de manera aún entretenida e interesante. También es conveniente mencionar que el nivel de violencia y gore disminuye considerablemente, acercándose más a un film de Monstruos o Sci Fi, que, de Terror, en el sentido estricto.

Ahora, por supuesto que hay momentos casi-terroríficos, tales como una persecución acuática, y la simple presencia de estos aliens no amistosos es intimidante (hay un close-up memorable a la cabeza de uno).

También, es gore que hayan “bañado” a la fuerza al michi en dos ocasiones.

Sinceramente, creo que el concepto ya está desgastado y aunque parece que una secuela es inevitable, sería idóneo (y un tanto irónico) terminar la saga con Día Uno.

Ok, las escenas de gran impacto siguen funcionado porque cada vez son más impresionantes (el inicio y el ataque al éxodo de neoyorquinos me parecieron los “highlights” principales), aunque se extraña en demasía el suspenso que vivimos en la original.

Si disfrutas de películas de terror con emociones fuertes basadas en efectos especiales y estruendos, ¡esta es tu mejor opción para este fin de semana!, y de preferencia en Sala IMAX (solo procura no tirar las palomitas o refresco si saltas de tu asiento).

Si eres fan de la saga, entonces también la vas a pasar muy bien porque ya sabrás exactamente qué esperar, y hasta te alegrarás al ver personajes y referencias a las películas anteriores (¡Djimon Hounsou está presente!).

Sin embargo, si esperas suspenso que toma su tiempo para desarrollarse, y momentos de miedo que no tengan que ver con CGI, pero tienes curiosidad por la película; entonces te sugiero esperar a que este título llegue a plataformas digitales.

Las “vibras” y comparaciones con 28 Days Later (2002) son inevitables, lo cual no es para nada malo, ya que la película dirigida por Danny Boyle es un referente del “cine apocalíptico”, y nos mostró Londres destruido, desolado.

Un Lugar en Silencio: Día Uno no será un clásico ni referente, y esta saga corre el riesgo de caer en lo que sucedió a la saga de Tremors (guardando distancias en cuanto a Hollywood y el Cine “B”); o sea, al estirar con infinidad de secuelas un concepto que funcionó en dos películas, puede resultar en la auto parodia. Y no hay algo peor que eso en el Cine de Terror.

Ni Kevin Bacon los podría salvar.

*Gracias a Paramount Pictures México por invitarnos.

Trailer

LO BUENO

-Regresa y rinde homenaje al Nunsploitation de los 1970's, especialmente en el trepidante tercer acto.

-La actuación de Sydney Sweeney es tremenda y se nota comprometida con la película, de la cual es productora, compró la historia, contrató al director, y la vendió a Neon. Un estuche de monerías.

-La ambientación, fotografía (se agradece el uso del color rojo), y música. El Director Michael Mohan se inspiró principalmente en "The Devils" (1971), dirigida por Ken Russell) para el estilo visual y sonoro; y tiene algunos homenajes a Dario Argento en cuanto a la atmósfera.

-Las escenas oníricas (bueno, pesadillas).

-El gore es decente.

-Nulo factor suspenso.

-Salvo la prota, ningún personaje es realmente relevante.

-Para la temática y al sub-género que pertenece, la historia no es muy provocativa.

LO CURIOSO (¿?)

-La premisa es casi idéntica a "The First Omen", que es posiblemente la mejor Película de Terror del año. Por lo tanto, las comparaciones son inevitables, e "Immaculate" no le puede competir del todo.

 -Por el factor visual y sonoro, vale la pena checarla en el cine.