Por Indira García.

Por Indira García.

Los lazos entre “padre” e “hijo” se van haciendo más confusos conforme transcurre el filme, la extraña necesidad que encuentran el uno en el otro van construyendo un momento dramático durante casi hora y media, para sorprender finalmente con un cierre terroríficamente tierno que solo podría ser comparado con Relic (2020).

Hay muchos cuestionamientos en Titane sobre la identidad y expresión de género, así como el temor que hay por romper los paradigmas de lo que conocemos como tradicional. El papel estaba pensado para proyectar eso desde un principio, razón por la que la directora eligió a Agathe Rousselle por su cara camaleónica y facciones no andróginas.

El contraste en las acciones del personaje principal, conforme a si adopta su personalidad como mujer o como hombre, invitan a cuestionar más a fondo la cuestión de género que tanto se discute estos días. Algunas reseñas en redes sociales la han etiquetado incluso como cine queer.

El filme anterior de la directora (Raw, 2016) también generó gran impacto y controversia ante el público y la crítica, presentándonos un coming-on-age caníbal. Ambas películas están plasmadas de sexualidad no tradicional, pues no proviene de los desnudos femeninos ya que al librarse del male gaze las situaciones se vuelven excitantes por las acciones y sentires de los personajes.

Docournau se ha inspirado en la obra de Cronenberg y, al igual que él, mezcla el terror psicológico con el body horror para provocar al espectador, pero a pesar de eso ella ha asegurado que Titane es una historia de amor. Amores propios, pero no convencionales, que explora los extremos de las necesidades de ser seres sociales.

La directora también ha comentado que su intención siempre es hacer palpables los sentimientos de sus personajes, lo cual termina siendo una experiencia bizarra por la excentricidad de la historia.

Visualmente recuerda a la estética de Nicolas Winding Refn con neones resplandeciendo en contraste con la oscuridad. E igualmente elige la elegancia por sobre todas las cosas, incluso en los peores momentos.

La Palma de Oro de Cannes hizo que Julia Docournau pasara a la historia como la segunda mujer en ganar el premio, a lo cual ella ha respondido con sus deseos para ser un paso más en el camino para la inclusión de las mujeres en estos espacios y no como una simple excepción.

Titane es extrema e intensa, no recomendada para todos los públicos pues sin duda habrá quien le disguste la idea desde el planeamiento. Sin embargo, es una interesante sorpresa que supera a su antecedente (Raw, 2016) y que no dejará indiferente a ningún fan del terror y lo raro.

Por Indira García.

Annette es única en su tipo, asombrosa, bizarra e intrigante. Es la primera película en inglés dirigida por el francés Leos Carax, quien también causó controversia con su cinta anterior Holy Motors (2012). El guión está co-escrito con Ron Mael y Russell Mael de la banda Sparks, fusión que da por resultado una ópera rock maravillosa, cargada de drama y tragedia.

Para reseñarla no es necesario dar spoilers y es mejor verla sin mucho conocimiento previo para dejarse llevar por la oscura historia.

La película comienza con una advertencia de no hacer absolutamente ningún sonido durante la obra, ni respirar, mientras nos presenta al cast, dejando en claro que se trata de una representación teatral, estableciendo el tono sarcástico y descarado que mantiene durante las dos horas que dura.

Annette no teme tocar temas delicados y lo hace de frente, sin limitarse, dejando que los sentimientos se despabilen entre personaje y canción. A través de viñetas, con imágenes superpuestas y una narración experimental, la historia se va desarrollando con palabras cuidadosamente bien elegidas y acciones interpretadas al mismo compás.

El director sabe captar cada toma para usar los movimientos tan bien coreografiados para subir la tensión del drama y narrarnos diligentemente la historia. Es fascinante ver el desarrollo de los personajes a través de pocas palabras y la sencillez con la que critica las relaciones interpersonales así como el egoísmo en la búsqueda del beneficio propio.

Hay tres personas esenciales en esta historia: Henry McHenry, un standupero que se regodea de su mala fama y para quien todo es una broma; Ann, su doncella, una cantante de ópera con voz angelical; y Annette, la hija de ambos.

La actuación excepcional de Adam Driver como Henry McHenry es el centro de todo el espectáculo, es difícil pensar en algún otro actor que pudiera haber logrado sostener la película, como lo hizo. Anteriormente lo vimos en un drama familiar igual de desconsolador (Marriage Story, 2019), pero aquí reluce y reafirma su talento y versatilidad. McHenry es excéntrico y explosivo, igual que el guión.

La historia por momentos se siente como tragedia griega, como epopeya, que funciona muy bien en conjunto de las melodías y que demuestra que cada elemento está muy bien pensado. Todo va acorde y con ritmo, como una orquesta bien dirigida.

Marion Cotillard hace un increíble trabajo interpretando a Ann, la actriz ha trabajado en teatro anteriormente y saca provecho de ello aquí. La apariencia inocente y pura de su personaje es la luz que contrasta con la oscuridad de Henry.

Simon Helberg también da una actuación inolvidable, a pesar de que no son muchas sus apariciones en pantalla, su personaje es entrañable y con un desempeño totalmente sorprendente.

Sin embargo y para sorpresa de muchos, Annette es representada por una marioneta. Un arriesgado, pero bien pensado detalle, que dota al personaje de una profundidad inesperada.

La película es totalmente experimental, un musical no convencional que potencialmente podría convertirse en una obra de culto (como The Horror Rocky Picture Show), sin embargo se entiende que por lo mismo no es para todos los gustos. El humor ácido y ofensivo que llega a tener puede incomodar, aunque probablemente esa es su intención.

La representación de cómo se llega a vanagloriar a la gente es una copia certera de la realidad e incita a pensar en nuestro alrededor, y eso también puede asustar.

Se le puede odiar u amar (en Cannes recibió ovación de pie), pero Annette es imperdible.

Por Indira García.

Uno de los estrenos más esperados del 2021 es Duna, dirigida por Denis Villeneuve y que representa el regreso de una de las historias más entrañables para los fanáticos de la ciencia ficción. David Lynch hizo su propia versión en 1984, pero fue mal recibida y muy criticada, incluso por el mismo director.

El avance de la tecnología, el CGI y el increíble cast que Villeneuve reunió, fueron algunas de las razones por las que generó grandes expectativas desde su preproducción. Y sin duda lo mejor de la película justamente es el reparto.

Timothée Chalamet se lleva la mayor parte del tiempo en la pantalla, encarnando a Paul, el heredero de la casa Astreides; un héroe en desarrollo que reniega de su destino como "El Elegido" que se le presenta a través de visiones y sueños, mismas que develan a los espectadores detalles imprescindibles. Óscar Isaac da vida a Leto, padre devoto de Pauly buen diplomático, que busca lo mejor para su gente y su familia, con Rebecca Ferguson como su contraparte, Jessica Atreides, una mujer misteriosa que maneja la política desde las sombras y que acompaña a Paul durante gran parte de la travesía.

Stellan Skarsgård encarna al villano Vladimir Harkonnen, grotesco por momentos, pero cumpliendo con su cometido de provocar desprecio hacia el personaje y sus acciones. Jason Momoa, Dave Bautista y Javier Bardem también desempeñan buenas actuaciones en sus pequeños momentos en escena.

Sin embargo, algo que ha decepcionado son las pocas apariciones de Zendaya, quien en los promocionales daba la impresión de tener presencia más allá de unos cuantos minutos. Aunque cabe mencionar que es un detalle pasable al ser la primera parte que apenas nos introduce a Duna.

Por otro lado, a pesar de que la historia se desarrolle en el espacio, no está tan lejana a nuestra realidad: familias en el poder buscando mayores riquezas en tierras ajenas, personas poderosas que subestiman a sus enemigos y a aquellos a quienes buscan quitarles sus recursos.

La fotografía es otro gran acierto, los imponente paisajes desérticos rememoran a otros clásicos como Star Wars o Mad Max, es un universo perfectamente construido con el potencial para quedarse como ícono junto a otros grandes de la ciencia ficción. Las escenas claramente fueron pensadas para la pantalla grande, dato que ha recalcado el director, algo desafortunado y probablemente mal planeado tomando en cuenta que en Estados Unidos fue estrenada casi simultáneamente en HBO Max, por lo que quienes decidan verla en cualquier otro dispositivo no lograrán apreciar al máximo los detalles cinematográficos y podrán perder parte de la experiencia que representa la cinta.

La película se desenvuelve lentamente, con una narrativa que no va solamente del presente y que por momentos abusa de los flash-forwards. El guión justifica el uso del recurso, sin embargo, no deja de ser abrumador el bombardeo de información que puede confundir y desviar la atención.

Duna confía en su historia y se sostiene sobre ella, muestra poca acción y una que otra pelea para demostrar las habilidades de los protagonistas. Pasan casi dos horas para sentir que la acción real va a comenzar, se esfuerza en construir el ritmo ideal para conducir al clímax, pero éste dura demasiado poco y hace que el final se sienta cortado y prematuro, dejando al espectador con la expectativa al filo para saber qué sucede en la segunda parte.

La película se siente como el prólogo de una historia épica que promete atrapar, pero que por sí sola no podría funcionar.

No es la primera vez que el director revive un clásico de la ciencia ficción para atraer a las nuevas generaciones (estuvo a cargo de la secuela Blade Runner 2049) y el tema de la vida en el espacio exterior, así como navegar en el tiempo, tampoco son nuevos para él.

Cinematográficamente es evidente que ha cosechado buenos frutos de su trabajo a lo largo de los años y deja una alta expectativa para la continuación.

Duna requiere un poco de paciencia y atención, es algo que no se pueden perder los fanáticos de la ciencia ficción.

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Esta última entrega de Halloween es la segunda parte de una trilogía que continúa el legado de Michael Myers, donde los escritores decidieron olvidar todas las secuelas originales y solo respetar el filme original. Halloween Kills empieza sin contexto, inmediatamente después del final de la estrenada en 2018 y rápidamente rompe su propia regla sobre la historia canon pues muestra escenas completas y referencias a algunas de las primeras secuelas.

Las primeras escenas de Michael en acción, con una matanza entre llamas, marca el comienzo de una serie de asesinatos creativos. Hay de todo: cuchillos, dulces, calabazas e incluso recreación de fotos con cadáveres. Puede que para algunos roce lo ridículo lo elaborado de cada escena, pero los slashers no tienen que ser totalmente realistas.

Y como slasher cumple muy bien, no se contiene con la violencia y al mismo tiempo nos regala escenas cargadas de nostalgia con los sobrevivientes originales. Estos personajes son aprovechados al máximo, organizando a las multitudes y enfrentándose a Michael directamente.

La acción nunca se detiene y en algunas partes se combina con suspenso, es más sangrienta que la anterior y da oportunidad a que varias personas diferentes tengan peleas uno a uno con Michael Myers.

En Halloween 2018, Lauri (Jamie Lee Curtis) es una protagonista llena de vida y que se roba la película, sin embargo en esta ocasión pasa la mayor parte recostada en cama a consecuencia del enfrentamiento en su casa. Su hija Karen (Judy Greer) y su nieta (Andi Matichak) tienen mayor peso esta vez y cada una se embarca en una misión diferente, con el mismo fin de detener la matanza.

Halloween Kills también aprovecha el momento sociopolítico que estamos atravesando para intentar transmitir un mensaje sobre las consecuencias de multitudes desinformadas, que se dejan cegar por su rabia y creencias. Sin spoilers, son escenas de mucha tensión, aunque con un desenlace que se pudo extender más.

El final deja muchas dudas, especialmente porque informaron que habrá un salto al presente, pues Kills se sitúa en 2018. Toda la película transcurre en las horas siguientes al final de la anterior, pero se siente mucho más larga por la cantidad de cosas que suceden. Sin embargo, la cinta no es nada pesada, es entretenida y por momentos divertida.

El trabajo visual en cada escena encuadra perfectamente cada asesinato, gracias a la dirección de David Gordon Green.

Halloween Kills es imperdible para los fans del terror, de los slashers y del gore, pero es muy recomendable ver primero la de 1978 y la de 2018.

Y aunque las críticas se han polarizado entre quien la odio por completo y a quien le encantó, hay algo en lo que todos coincidimos: nadie quiere escuchar una vez más la frase “el mal muere esta noche”.

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Por Indira García.

La figura del hombre con mano de garfio y rodeado de abejas se consolidó como una figura de culto tras el estreno de la primera película de Candyman en 1992 y ahora regresa en este reboot/secuela con Nia DaCosta como directora y Jordan Peele más Win Rosenfeld en el guión.

En la historia original conocimos a Helen Lyle, una mujer que investiga la leyenda urbana de Candyman (interpretado una vez más por Tony Todd) como trabajo de tesis pero termina incriminada en el secuestro de un bebé y finalmente muere quemada en el barrio de Cabrini-Green, no sin antes regresar al pequeño con su mamá. En esta secuela la historia continúa treinta años después, siguiendo a un jóven artista llamado Anthony McCoy (interpretado por Yahya Abdul-Mateen II) quien escucha la leyenda de cómo Helen se volvió loca, desencadenando en Anthony una obsesión que le lleva a descubrir a Candyman. Su trabajo artístico se centra en el hombre de las abejas tras el descubrimiento, culminando en una exposición con una pieza clave llamada “Di mi nombre” con las instrucciones para invocarlo: repetir Candyman cinco veces frente a un espejo.